港片也算是“一半是海水，一半是火”了将近一年。

先是古天乐的《明日战记》打破了港片国内票房纪录，接着是黄子华的《毒舌律师》破亿港元。

《饭戏攻心》在香港的国内票房也有不错的口碑。

但是到了内地，就完全是另外一回事了。

《饭戏攻心》故意改名为《还是觉得你最好》，结果票房只赚了1.07亿。

不过，《明日战记》在香港提前了20天，口碑却并不好。虽然票房是6.79亿，但背后却是古天乐辛酸的泪水。

春节档的两部影片《流浪地球2》和《满江红》合计票房收入约85亿；甚至自好莱坞著名大片《阿凡达：水之道》上映以来，也将近17亿。

年初的三部港片都差强人意，不禁让人又问：

这个问题三言两语不难回答，谁都能随便数出12345，说话也很正经。

今天《皮哥》试图从历史的角度为大家分析，为什么香港电影没有“适应”内地。

现在有人问，为什么香港电影在内地不好？这是因为我们都知道也经历过那个“港片真好”的时代。

这是在1980年代和90年代。很多香港出品的电影虽然没有在内地放映，但通过“水路”向我们放映，香港的电影文化得以传播。

尤其是进入90年代后，随着香港电影市场的繁荣。

周星驰、周润发的喜剧片、成龙、勋金宝的时尚动作片、李连杰的武侠片、林正英的丧尸片、四大天王的偶像片纷纷涌入内地。

他不仅极大地丰富了我们的文化生活，也深深地影响了70后、80后、90后。

那时候，我们内地电影公司的拍摄条件还很艰苦，连拍摄用的底片都要保存下来。

除了制作影片的时间限制外，讲故事的能力也有待提高。正因如此，港片对内地电影可谓是瘦身一击。由于当时市场还未开放，一时间内地影院十分低迷。

看电影的人都不知道那时候的港片为什么这么好看，故事内容多么生动，表现手法多么赏心悦目。

的确，香港电影在80、90年代的鼎盛时期，是因为之前30年的积累和沉淀，是电影人的认真钻研和努力。

皮哥在之前的文章中也提到，1950年代，上海外滩大批电影人才涌入香港定居。

进入60年代后，才华横溢的邵氏逐渐在竞争中脱颖而出，成为市场的领导者。

除了古装片，他还涉猎过各种题材的爱情片、武侠片、恐怖片等。

如果您有兴趣探索1960年代和70年代的一些电影，您会发现其中有许多具有文化价值的作品。

虽然节奏比较慢，但是故事很有趣，很有文化底蕴。可见，老一辈电影人的文化水平特别高，他们创作的电影也非常赏心悦目。这些都是香港电影的文化基础。

到70年代后期，以许鞍华、徐克、余云康、严昊、方玉萍为代表的青年电影人留学归来。

然而，那些前辈并不具备他们所掌握的欧美工业电影的拍摄技术和创作理念。

因此，在80年代，我们可以看到香港电影的制作水平比以前上升了一个档次。

尤其是在新艺术城推出《英雄本色》之后，港片走上了工业化的道路，全面打开了东南亚的广阔市场。

也正是在这个时期，老一辈的领导者也诞生了

说到这里，请注意两个关键词：“文化底蕴”和“工业化”，这两个是港片制胜法宝。

举个例子，让我们以1992年由AltinHasil和中国北京电影制片厂制作的电影《黄飞鸿之三：狮王争霸》为例。

皮哥还详细分析了这部影片的故事结构是如何分为家国、江湖、爱情三条线，平行发展，相互影响，最终在争狮中团结起来的。

影片中不仅有黄飞鸿、归家奇、赵天霸之间的恩怨；中国人对外国产业和文化的采纳和对国家未来的思考；它还描述了一种非常反叛传统道德的爱情。

《狮王争霸》完整版只有132分钟，却囊括了以上很多内容。内容丰富，情景化强，具有极高的文化内涵。因此，它可以跨越文化差异的障碍，也能吸引我们大陆观众。

至于九十年代的港片，很少有像《狮王争霸》这样的好作品，所以我们喜欢老港片。

面对投资成本高、制作复杂的好莱坞大片，香港制作的起步晚、市场小、成本低、片面小的电影很快就暴露出短板，在激烈的市场竞争中败下阵来。

香港电影的失败是全面的。

一方面，随着市场失去竞争力，投资者也变得谨慎起来，尤其是台湾电影公司的投资减少，拍片困难重重。

更糟糕的是，随着倪匡、楚原、吴楚帆、黄炳耀、邱刚建等编剧的离开，港片逐渐失去了文化基调。

似乎一夜之间，我们发现香港出品的电影“讲不出故事”，人物动机和创作越来越简单化，情节发展程序也越来越严肃。

这部影片的失败导致了成龙的离开，《嘉禾》重伤，也宣告了港片“大片时代”的结束。

曾经威武的江湖之主，在这一年终于陨落。随着嘉年华的落下，香港制作的电影也朝着低成本、小规模制作的方向发展。

其整体产量和质量继续下降。即使在每年提名奥斯卡金像奖的影片中，也很难挑出几部作品。

这部由刘伟强、麦兆辉联合执导，刘德华、梁朝伟主演的警匪片，不仅以5505万港元成为年度最高票房，还在金像奖上斩获7项大奖。.

轰动了整个华语世界，也让多年来一直低迷的香港电影人看到了希望。

当年的颁奖典礼上，吴思远难掩激动之情，向全世界宣布：

但21年后的今天回头看，《无间道》的成功似乎更像是港片的“回归光明”，对港片的影响也不全是正面的。

最重要的是，《无间道》《警察故事》、《老虎出更》、《逃学威龙》摒弃了以往港警片的轻松喜剧氛围，取而代之的是悲伤的氛围。

纵观以往香港出品的电影，轻喜剧基调一向更受观众欢迎。成龙、周星驰、李连杰的大片处处有笑点。

就连描写主人公下场的悲壮的《英雄本色》，也让小马有点大大咧咧的幽默。

由于这些观众喜欢看，它有助于电影在票房上卖得更好。

但是《无间道》恰恰相反。控制节奏，增加紧张感，尽量表现主人公在命运的漩涡中撞墙、痛苦挣扎的过程。

出人意料的是，这样一反常规的表现方式却得到了观众的认可，票房高的同时口碑也不错。

有人说，这种对生存和未来的迷茫反映了香港人在亚洲金融危机后对自身发展前景的焦虑，这也是香港人喜欢这部电影的原因。

但这样溢出银幕的仇恨，不仅感染了当时的观众，也影响了后来的作品，港片自此“仇恨”甚重。

大家都认识《祝福》的祥林老师。起初，他是一个勤劳、朴实、善良、执着的仆人。

港片和祥林姐姐也有很多相似之处。它原本就有浓厚的文化底蕴，也是工业电影的雏形。

然而，经历了亚洲电影危机和全球化进程带来的市场竞争冲击，电影人似乎失去了往日的冷静和自信，变得胆小、懒惰、短视、急功近利。

这也是我们发现港片越来越“丑”的原因。

它不仅失去了那种文化底蕴和工艺，而且还产生了一种咄咄逼人的敌意，渐渐地我们开始厌恶它。

韩国、日本、泰国和我国的一些电影院线上映了很多有影响力的电影。

因为他们的故事发生在香港，所以对香港人有一种熟悉感和亲和力，增加了香港人的观影欲望，所以在香港取得了不错的票房成绩。

但是在我们大陆上映的时候，我们只看电影的质量，因为我们在大陆没有那种亲和力，所以这些老掉牙的剧情电影自然造不成多大的热度。

我们相信，即使影片本身很优秀，即使存在文化差异，也能得到不同地方观众的印证。

例如，2016年由阿米尔·汗主演的印地语电影《摔跤吧！爸爸》以其励志的题材和引人入胜的故事风靡大陆。

相比印度电影，港片在文化差异上应该更接近内地。未能取得高销量的问题在于影片本身。

以《明日战记》为例，这部投资高达4.5亿港元的诚意之作，自2019年以来就备受全网瞩目，也获得了网友的厚望。

15公斤（33磅）的机甲和1,700个特效镜头由OneWorldOneCool制作人打造，着实令人耳目一新。

但故事本身还是港产警匪片的老套路。观看30分钟后，观众就失去了悬念。这也是影片票房不强的原因。

且看在今年香港贺岁档创下亿港元票房新纪录的《毒舌大状》。

其中一部是黄子华的个人电影，在内地观众较少，而且大部分影片也是在广东省制作的；

二是故事本身还是一个小结构，坏人也不是完全坏，花言巧语没有当庭呈现，没有反转和悬念，有点可惜。

《风再起时》和《断网》这两部电影的质量无法用语言来形容。

< titlesplit >节奏缓慢，故事枯燥，143分钟的影片让人如坐针毡；

是一部典型的网络犯罪题材的警匪片，故事很少。

之所以如此，主要是因为它包含了文化传承和工业化这两个最独特的“性”。

在这两种感性元素的加持下，港片从骨子到形体，让观众流连忘返，千年一见。

所以还在喊空号的人需要醒醒了。

以《毒舌律师》《风再起时》和《断网》为范本，真能看出现在港片的素质。

但是，香港电影人要想把香港电影带回到90年代的鼎盛时期，还需要多思考，团结起来，更加努力。

在皮哥看来，香港电影人在心理层面上还是有优越感和从容的。

我的意思是，我有点“珍贵”，认为“我们拍的是最好的，你不喜欢是因为你不懂得欣赏”。

这样的感觉让他们过于偏激，看不到世界电影的发展进步，看不到自己的不足。

正因为如此，香港电影越来越受欢迎。在内地可能卖得好，在内地卖得不好。

皮哥希望香港电影人能够看到这一点，吸一口气，学该学的，改该改的；他也希望香港电影能够进步，重现昔日的辉煌。